Το νέο έτος 2025 διανύει τις πρώτες μέρες του και το ημερολόγιο των φανατικών της τέχνης έχει ήδη αρχίσει να γεμίζει τις σελίδες του. Με το βλέμμα στραμμένο εκτός και εντός ευρωπαϊκών συνόρων διαβάζουμε για όλα όσα πρόκειται να στηθούν στα μεγαλύτερα μουσεία και γκαλερί του κόσμου, με την ευχή να τα θαυμάσουμε συνδυάζοντας με ένα αγαπημένο ταξίδι. Νέα Υόρκη, Παρίσι, Λονδίνο, Άμστερνταμ και Βιέννη με πυξίδα πλοήγησής μας την Τέχνη ξεκινάμε αυτό το μικρό οδοιπορικό με όλα όσα ξεχωρίσαμε μέσα από τις ανακοινώσεις των μεγάλων Μουσείων.
H Tate στο Λονδίνο έχει από μήνες παρουσιάσει το φιλόδοξο πρόγραμμά της, ανοίγοντας τη νέα χρονιά εορταστικά με το καλλιτεχνικό έργο του Αυστραλού καλλιτέχνη, performer, μοντέλου, σχεδιαστή και μουσικού Λι Μπόουερι, γνωστού ως ιδιοκτήτη του ηδονιστικού λονδρέζικου νυχτερινού κέντρου Taboo, καινοτόμα αντικείμενα στο MοMA, αφηρημένα, σχεδόν κατακερματισμένα έργα του George Condo στη Hauser & Wirth, ένα σπουδαίο αφιέρωμα με αφορμή τη 250ή επέτειο από τη γέννηση του Κάσπαρ Ντάβιντ Φρίντριχ, ενός από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους του ρομαντισμού στο The Met, αλλά και μια μονογραφική έκθεση της Γκαμπριέλε Μύντερ στο Μουσείο Guggenheim σχεδόν τριάντα χρόνια μετά την τελευταία περιοδεία της στις ΗΠΑ μια μοναδική ευκαιρία να επαναξιολογηθεί η συνεισφορά της στη διαμόρφωση της σύγχρονης τέχνης, μια μόνο γεύση για όσους επιλέξουν τη Νέα Υόρκη αυτή τη χρονιά.
Το Παρίσι θα υποδεχθεί το νέο έτος με ένα αισθητικό ταξίδι των δημιουργιών των Dolce & Gabbana, φόρος τιμής στο αξεπέραστο ιταλικό στυλ στο Grand Palais, μια μονογραφική έκθεση της τολμηρής καλλιτέχνιδας Σουζάν Βαλαντόν στο Κέντρο Πομπιντού αλλά και η πρώτη έκθεση στη Γαλλία αφιερωμένη στην αποκαλούμενη «εκφυλισμένη» τέχνη στο Μουσείο Πικάσο στο Παρίσι.
[ 1 ]
Pirouette: Turning Points in Design στο MoMA – Νέα Υόρκη
Ο σχεδιασμός ως καταλύτης για την πρόοδο είναι το θέμα της νέας έκθεσης με επίκεντρο τα αντικείμενα στο Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης της Νέας Υόρκης, η οποία θα διαρκέσει από τις 26 Ιανουαρίου έως τις 18 Οκτωβρίου.
Περισσότερα από 100 έργα από τη συλλογή κυρίως του MoMA, από τις αρχές του 20ού αιώνα έως σήμερα, από έπιπλα, ηλεκτρονικά είδη, σύμβολα και άλλα κομμάτια θα εκτεθούν στην έκθεση Pirouette: Turning Points in Design με πρόθεση την ανάδειξη της καινοτόμου φύσεως του design αλλά και της προσαρμοστικής ορισμένων αντικειμένων στις επιταγές της εκάστοτε εποχής.
«Κάθε αντικείμενο έχει μια ιστορία. Κάποια αντικείμενα, επιπλέον, δημιουργούν την ιστορία – ή την αλλάζουν», λέει η Paola Antonelli, ανώτερη επιμελήτρια του Τμήματος Αρχιτεκτονικής και Σχεδιασμού του μουσείου. «Ο σχεδιασμός μπορεί να μας βοηθήσει να κατευθύνουμε την πορεία προς θετικές κατευθύνσεις, ευαισθητοποιώντας μας και βοηθώντας μας να διορθώσουμε αρνητικές συμπεριφορές. Μπορεί επίσης να επινοήσει νέες συμπεριφορές που ενσωματώνουν νέους στόχους, μεταξύ των οποίων η βιωσιμότητα και η δικαιοσύνη».
Γνωστές εφευρέσεις όπως ο υπολογιστής Macintosh της Apple, το Sony Walkman και τα Spanx θα αναδείξουν επαναστατικές ιδέες που έγιναν κοινά αντικείμενα. Άλλες δημιουργίες, εν τω μεταξύ, αφηγούνται την ιστορία μιας πιο εξειδικευμένης επιρροής. Εξετάζοντας το υπόβαθρο, το πλαίσιο και τον αντίκτυπο κάθε αντικειμένου, η έκθεση θα αναδείξει τους σχεδιαστές τους ως τους ανθρώπους που έκαναν πάντα την αλλαγή.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 26 Ιανουαρίου 2025 έως τις 18 Οκτωβρίου 2025
[ 2 ]
Σουζάν Βαλαντόν στο Κέντρο Πομπιντού | Παρίσι
Ένα αφιέρωμα στη Suzanne Valadon (1865-1938), μια εμβληματική και τολμηρή καλλιτέχνιδα, μία από τις σημαντικότερες της γενιάς της. Μια μονογραφική έκθεση που αναδεικνύει τη σπουδαιότητα αυτής της εξαιρετικής φιγούρας και υπογραμμίζει το συχνά υποτιμημένο προδρομικό της ρόλο στην ανάπτυξη της καλλιτεχνικής μοντερνικότητας. Η μεγάλη ελευθερία της Suzanne Valadon, η οποία δεν ακολούθησε αληθινά κανένα κίνημα εκτός από το δικό της, είναι το κύριο χαρακτηριστικό της δουλειάς της.
Το μονοπάτι της έκθεσης, που παρουσιάζει σχεδόν 200 έργα, βασίζεται στις πλούσιες συλλογές των εθνικών μουσείων, ειδικά αυτής του Κέντρου Πομπιντού, της πιο σημαντικής, αλλά και του Μουσείου Ορσέ και της Ορανζερί. Μια αναδιήγηση του μοναδικού ταξιδιού της, από τα πρώτα της βήματα ως αγαπημένο μοντέλο του Μονμάρτρου, μέχρι την καλλιτεχνική της αναγνώριση, η οποία ήρθε πολύ νωρίς από τους συναδέλφους της και τους κριτικούς. Η Suzanne Valadon υπήρξε μια πραγματική «μεταφορέας» από τον έναν αιώνα στον άλλον, αγκαλιάζοντας τη ζωντάνια του Παρισιού του τέλους του αιώνα, με τα καφέ, και τα καμπαρέ του, και τις πολλαπλές καλλιτεχνικές, διανοητικές και κοινωνικές επαναστάσεις.
Παρόλο που βρισκόταν στο περιθώριο των κυρίαρχων ρευμάτων της εποχής της — με τον κυβισμό και την αφαίρεση να βρίσκονται σε στάδιο ανάπτυξης ενώ η ίδια υπερασπιζόταν με πάθος την ανάγκη να ζωγραφίσει το πραγματικό — έθετε το γυμνό, τόσο γυναικείο όσο και ανδρικό, στο επίκεντρο του έργου της, αναπαριστώντας τα σώματα χωρίς τεχνητά στολίδια ή βλεμματισμό.
Η έκθεση αναδεικνύει τον αποφασιστικά μοντέρνο χαρακτήρα του έργου της Valadon, η οποία υπήρξε η πρώτη γυναίκα που ζωγράφισε ένα ανδρικό γυμνό σε μεγάλο μέγεθος και μάλιστα ανφάς. Αυτή η πρωτότυπη εξερεύνηση του έργου της αποκαλύπτει επίσης τις φιλικές και καλλιτεχνικές της σχέσεις με τους ζωγράφους της μποέμ και την αδιαμφισβήτητη επιρροή της στην καλλιτεχνική σκηνή του Παρισιού, χάρη στη δραστήρια υποστήριξη των φίλων της καλλιτεχνών και γκαλερίστων.
Αρχικά σχεδιασμένη από το Πομπιντού-Μερτζ το 2023, η έκθεση παρουσιάστηκε στο Μουσείο Τεχνών της Νάντης και στο Μουσείο Εθνικής Τέχνης της Καταλονίας στη Βαρκελώνη το 2024 με τον τίτλο Suzanne Valadon. Un monde à soi, και συνεχίζεται στο Κέντρο Πομπιντού το 2025 με μια εμπλουτισμένη εκδοχή που περιλαμβάνει νέα δάνεια και ανέκδοτα αρχεία.
Η Suzanne Valadon δεν είχε λάβει ξανά μονογραφική έκθεση στο Παρίσι από αυτή που της αφιέρωσε το Μουσείο Εθνικής Μοντέρνας Τέχνης το 1967.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 15 Ιανουαρίου 2025 έως τις 26 Μαΐου 2025.
[ 3 ]
Pastels του George Condo στη Hauser & Wirth | Νέα Υόρκη
Η νέα έκθεση του George Condo, Pastels, θα παρουσιαστεί σε δύο διαφορετικές γκαλερί: στη Hauser & Wirth στο SoHo και στο Sprüth Magers στο Upper East Side. Αυτή η διμερής έκθεση, προσφέρει μια μοναδική ματιά στη δημιουργική διαδικασία και την αστείρευτη εφευρετικότητα του καλλιτέχνη στη χρήση παστέλ σε χαρτί.
Μέσα από αφηρημένα και κατακερματισμένα έργα, ο καλλιτέχνης εξερευνά την ανθρώπινη ψυχή, αποτυπώνοντας διάφορες καταστάσεις ύπαρξης με αυθόρμητη χρήση του gesso, έντονη εφαρμογή χρώματος και δυναμικές πινελιές, όλα χωρίς καμία προπαρασκευαστική προεργασία.
Μέσα από αυτά τα έργα, ο καλλιτέχνης εξετάζει βαθιά τις προκλήσεις της έκφρασης διαφόρων ψυχικών καταστάσεων. Βασίζεται στην αφαίρεση για να αποτυπώσει τη θραυσματική και φευγαλέα φύση της σκέψης και των συναισθημάτων.
Αυτή η έκθεση αναδεικνύει την καινοτόμα προσέγγιση του Condo, συνδέοντας την τέχνη του με την ανθρώπινη ψυχή και την πολυπλοκότητα της συνείδησης. Πρόκειται για μια μοναδική ευκαιρία να εξερευνήσει κανείς τη βαθιά σχέση του καλλιτέχνη με το μέσο του παστέλ και τη δύναμή του να απεικονίζει την ανθρώπινη κατάσταση.
Η έκθεση “Pastels” θα φιλοξενηθεί στο Sprüth Magers από τις 16 Ιανουαρίου έως την 1η Μαρτίου και στο Hauser & Wirth από τις 29 Ιανουαρίου έως τις 12 Απριλίου.
[ 4 ]
From the Heart to the Hands: Dolce & Gabbana στο Grand Palais | Παρίσι
Για πρώτη φορά, οι μοναδικές δημιουργίες του διάσημου οίκου μόδας, αέναη πηγή έμπνευσης για τους Domenico Dolce και Stefano Gabbana παρουσιάζονται στο κοινό. Ακολουθώντας το αισθητικό ταξίδι των δημιουργιών τους, οι οποίες πρώτα γεννιούνται στην καρδιά τους και στη συνέχεια εκτελούνται με τα χέρια τους στα εργαστήριά τους, η έκθεση γιορτάζει το Dolce & Gabbana ως σύμβολο του ιταλικού στυλ, αναδεικνύοντας τις ρίζες του εξαιρετικού ονείρου που έγινε πραγματικότητα μέσω της Alta Moda (υψηλής μόδας). Εξερευνά μια μοναδική προσέγγιση στον κόσμο της πολυτέλειας, που συνδυάζει την κομψότητα και τη sensuality, αλλά και το χιούμορ και την υπερβολή.
Τα μοντέλα που εκτίθενται είναι μοναδικά κομμάτια κατασκευασμένα από Ιταλούς τεχνίτες με απαράμιλλες δεξιότητες και αναδεικνύουν τα διαφορετικά στοιχεία της ιταλικής κουλτούρας που τροφοδοτούν τις δημιουργίες του οίκου Dolce & Gabbana. Η έκθεση ακολουθεί μια θεματική διαδρομή που αντικατοπτρίζει τον πλούτο των εμπνεύσεών τους, οι οποίες προέρχονται από την ιστορία της ιταλικής τέχνης, αρχιτεκτονικής, χειροτεχνίας, τοπικών πολιτισμών, μουσικής, όπερας, μπαλέτου, κινηματογράφου, λαϊκών παραδόσεων, θεάτρου και φυσικά, την “dolce vita”.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 10 Ιανoυαρίου έως τις 31 Μαρτίου 2025.
[ 5 ]
Caspar David Friedrich: The Soul of Nature στο The Met | Νέα Υόρκη
Η έκθεση Caspar David Friedrich: The Soul of Nature που οργανώνεται στο Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης (The Met) τιμά την 250ή επέτειο από τη γέννηση του Friedrich, ένας από τους μεγαλύτερους εκπροσώπους του ρομαντισμού και αποτελεί την πρώτη ολοκληρωμένη παρουσίαση του έργου του στις Ηνωμένες Πολιτείες.
Η έκθεση μέσα από περίπου 75 έργα του Friedrich, συμπεριλαμβανομένων ελαιογραφιών, ολοκληρωμένων σχεδίων και προσχεδίων από κάθε φάση της καριέρας του, εξετάζει την καλλιτεχνική του διαδρομή προς την ανάπτυξη ενός συμβολικού εικαστικού κώδικα με τοπία που εκφράζουν προσωπικά και υπαρξιακά νοήματα. Μέσα από τα έργα του παρουσιάζεται η σύνδεση της τέχνης του με τις πολιτικές αναταραχές και τον πολιτιστικό δυναμισμό της γερμανικής κοινωνίας του 19ου αιώνα, αναδεικνύοντας τη συμβολή του γερμανικού ρομαντισμού στη διαμόρφωση των σύγχρονων αντιλήψεων για τη φύση.
Ο Caspar David Friedrich γεννήθηκε στο Greifswald στις 5 Σεπτεμβρίου 1774 και σπούδασε στη Βασιλική Σχολή Καλών Τεχνών στην Κοπεγχάγη, πριν εγκατασταθεί στη Δρέσδη. Στην πανέμορφη ύπαιθρο γύρω από τη Δρέσδη, μέσα στη φύση θα αναζητήσει τη δική του έμνευση μακριά από τις ακαδημαϊκές παραδόσεις.
Αρχικά, απόλαυσε μια περίοδο μεγάλης επιτυχίας, όμως αργότερα η τέχνη του έπεσε σε δυσμένεια. Παρά τη μείωση της δημοτικότητάς του, περισσότερο από μισό αιώνα μετά τον θάνατό του το 1840, ο Friedrich «ανακαλύφθηκε» εκ νέου στη γερμανική εκατονταετή εικαστική έκθεση του 1906 στο Βερολίνο και αναγνωρίστηκε ως πρωτοπόρος της σύγχρονης τέχνης.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 8 Φεβρουαρίου έως τις 11 Μαρτίου 2025.
[ 6 ]
“Degenerate Art: The Trial of Modern Art under Nazism” στο Μουσείο Πικάσο | Παρίσι
Η πρώτη έκθεση στη Γαλλία αφιερωμένη στην αποκαλούμενη «εκφυλισμένη» τέχνη που εξετάζει και θέτει σε προοπτική τη μεθοδική επίθεση του ναζιστικού καθεστώτος κατά της μοντέρνας τέχνης, καθώς και τη θέση του Πάμπλο Πικάσο, ενός καλλιτέχνη-σύμβολο του “εκφυλισμού” σε αυτή την ιστορία.
Η έκθεση εστιάζει ιδιαίτερα στην προπαγανδιστική έκθεση “Entartete Kunst“ (Εκφυλισμένη Τέχνη), που οργανώθηκε το 1937 στο Μόναχο, όπου παρουσιάστηκαν πάνω από 700 έργα από εκατό καλλιτέχνες, αντιπροσώπους διαφόρων ρευμάτων της μοντέρνας τέχνης, από τον Όττο Ντιξ και τον Έρνστ Λούντβιχ Κίρχνερ, έως τον Βασίλι Καντίνσκι, τον Έμιλ Νόλντε, τον Πολ Κλέε και τον Μαξ Μπέκμαν. Η σκηνογραφία της έκθεσης ήταν σχεδιασμένη για να προκαλεί αποστροφή στους επισκέπτες.
Η συγκεκριμένη έκθεση αποτέλεσε κορύφωση μιας σειράς παρόμοιων εκδηλώσεων που ξεκίνησαν από το 1933 (σε πόλεις όπως η Δρέσδη, το Μάνχαϊμ και η Καρλσρούη), με στόχο την καταγγελία των καλλιτεχνικών πρωτοποριών ως απειλή για τη γερμανική «καθαρότητα». Περισσότερα από 20.000 έργα τέχνης, συμπεριλαμβανομένων αυτών του Βίνσεντ βαν Γκογκ, του Μαρκ Σαγκάλ και του Πάμπλο Πικάσο, αφαιρέθηκαν, πουλήθηκαν ή καταστράφηκαν.
Στην καρδιά αυτής της ιστορίας βρίσκεται ο όρος «εκφυλισμός», που εμφανίστηκε κατά τον 19ο αιώνα σε διάφορα επιστημονικά και πολιτιστικά πεδία (φυσική ιστορία, ιατρική, ανθρωπολογία, ιστορία της τέχνης κ.ά.) και αποκρυσταλλώθηκε στη ναζιστική «κοσμοθεωρία» ως μέσο για την προώθηση ρατσιστικών και αντισημιτικών θεωριών μέσα από την ιστορία της τέχνης.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 18 Φεβρουαρίου έως τις 25 Μαΐου 2025.
[ 7 ]
Anselm Kiefer – Sag mir wo die Blumen sind στα Μουσεία Van Gogh και Stedelijk | Άμστερνταμ
Η έκθεση, η οποία ανοίγει την άνοιξη του 2025, τοποθετεί τον Anselm Kiefer στο επίκεντρο. Από την παιδική του ηλικία, ο Kiefer έχει μία ιδιαίτερη σύνδεση με το έργο του Vincent van Gogh. Μέχρι και σήμερα, ο θαυμασμός του Kiefer για τον Van Gogh είναι εμφανής στα έργα του. Επίσης, έχει μια μακρά και προσωπική σχέση με το Stedelijk Museum Amsterdam. Το μουσείο αγόρασε και παρουσίασε τα έργα του από την αρχή, δίνοντας στον Kiefer αναγνώριση για την τέχνη του.
Ο τίτλος της έκθεσης, “Sag mir wo die Blumen sind“, αναφέρεται στο αντιπολεμικό τραγούδι με το ίδιο όνομα του Αμερικανού τραγουδιστή και ακτιβιστή Pete Seeger, το οποίο αργότερα έγινε ευρέως γνωστό σε γερμανική εκδοχή από τη Marlene Dietrich. Ο τίτλος αναφέρεται επίσης στο νέο έργο του Anselm Kiefer με το ίδιο όνομα, το οποίο θα παρουσιαστεί στο Μουσείο Stedelijk στο Άμστερνταμ, καθώς και στους Ηλίανθους του Vincent van Gogh.
Ιδιαίτερα για αυτήν την έκθεση, ο Kiefer έχει δημιουργήσει νέα έργα που δεν έχουν ξαναδεί ποτέ το φως της δημοσιότητας. Φυσικά, αγαπημένα έργα από τις συλλογές και των δύο μουσείων θα είναι επίσης εκτεθειμένα. Στο Μουσείο Van Gogh, θα παρουσιαστούν διάσημοι πίνακες του Vincent van Gogh μαζί με έργα του Kiefer. Στο Μουσείο Stedelijk, μπορεί κανείς να δει όλα τα έργα του Kiefer από τη συλλογή του μουσείου για πρώτη φορά συγκεντρωμένα.
Γεννημένος λίγο πριν από το τέλος του Β’ Παγκοσμίου Πολέμου, ο Γερμανός καλλιτέχνης Anselm Kiefer (γεν. 1945) έζησε, έτρεξε κι έπαιξε στα ερείπια του πολέμου ως παιδί. Στα τέλη της δεκαετίας του 1960, ο Kiefer ήταν από τους πρώτους Γερμανούς καλλιτέχνες που μελέτησαν τη συναισθηματικά φορτισμένη ιστορία της πατρίδας του. Τα μνημειώδη και σφοδρά έργα του αρχικά δέχτηκαν αρνητικές κριτικές στη Γερμανία. Στην Ολλανδία, ωστόσο, το έργο του εκτιμήθηκε νωρίς από συλλέκτες και μουσεία, όπως το Μουσείο Stedelijk στο Άμστερνταμ. Μόνο αργότερα, ο Kiefer έγινε αποδεκτός και στη Γερμανία, καθώς αποκάλυψε όσα είχαν μείνει αδιαπραγμάτευτα. Επαναλαμβανόμενα θέματα στα έργα του είναι η γερμανική ιστορία, η μυθολογία, οι θρύλοι, η αλχημεία, οι καταστροφικές συνέπειες του πολέμου και το αιώνιο τοπίο.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 7 Μαρτίου έως τις 9 Ιουνίου 2025.
[ 8 ]
Tehching Hsieh στο Dia Beacon | Νέα Υόρκη
Ο Τετσίνγκ Χισιέι, γνωστός για τις μακροχρόνιες περφόρμανς του που εξερευνούν την έννοια του χρόνου και της ανθρώπινης ύπαρξης, θα παρουσιάσει την πρώτη του αναδρομική έκθεση το φθινόπωρο του 2025 στο Dia Beacon στη Νέα Υόρκη.
Η έκθεση περιλαμβάνει έργα από το 1978 έως το 1999, μια περίοδο κατά την οποία ο Hsieh πραγματοποίησε τα πέντε εμβληματικά One Year Performances, καθώς και το Thirteen Year Performance. Αυτά τα έργα εξετάζουν με μοναδικό τρόπο την έννοια του χρόνου, της ύπαρξης και της ανθρώπινης αντοχής, προσφέροντας στους επισκέπτες μια εις βάθος κατανόηση του έργου του.
Κάθε ένα από αυτά απαιτούσε απόλυτη αφοσίωση και αυτοπειθαρχία. Στο Cage Piece (1978-1979), ζούσε κλεισμένος σε ένα ξύλινο κλουβί για έναν χρόνο, χωρίς να διαβάζει, να γράφει ή να μιλάει, στο Time Clock Piece (1980-1981), χτυπούσε μια κάρτα σε ρολόι παρουσίας κάθε ώρα, κάθε μέρα, για έναν χρόνο. Κατέγραψε τη διαδικασία με φωτογραφίες, στο Outdoor Piece (1981-1982) έζησε έναν χρόνο έξω, χωρίς να μπαίνει σε κλειστούς χώρους, στο Rope Piece (1983-1984), ήταν δεμένος με ένα σχοινί 2,5 μέτρων με την καλλιτέχνιδα Linda Montano για έναν χρόνο, χωρίς να αγγίζονται. Τέλος, στο No Art Piece (1985-1986) απείχε εντελώς από την τέχνη για έναν χρόνο, δεν δημιούργησε, δεν εξέθεσε και δεν μίλησε για τέχνη.
Ο Tehching Hsieh είναι ένας από τους πιο σημαντικούς καλλιτέχνες της περφόρμανς, γνωστός για τα εξαιρετικά απαιτητικά και μακρόχρονα έργα του, που διερευνούν θέματα χρόνου, επιβίωσης, και ανθρώπινης αντοχής.
Γεννήθηκε το 1950 στο Nantou της Ταϊβάν και το 1974, έφτασε στις Ηνωμένες Πολιτείες ως μετανάστης. Εγκαταστάθηκε στη Νέα Υόρκη και αφοσιωμενος στην τέχνη του εξερεύνησε την έννοια του χρόνου, της απομόνωσης και της σχέσης του σώματος με το περιβάλλον. «Για μένα είναι ένας δάσκαλος», είχε δηλώσει η Marina Abramovic στους New York Times το 2020. «Εγώ είμαι απλώς μια απλή μαθήτρια δίπλα του».
Η έκθεση αυτή θα συγκεντρώσει για πρώτη φορά τα ετήσια έργα του κάτω από την ίδια στέγη, προσφέροντας μια ολοκληρωμένη ματιά στο έργο του. Επιπλέον, το έργο του θα παρουσιαστεί στην ομαδική έκθεση Everyday Practices στο Μουσείο Τέχνης της Σιγκαπούρης, η οποία θα διαρκέσει από τις 30 Αυγούστου 2024 έως τις 20 Ιουλίου 2025.
Από τις 3 Οκτωβρίου 2025 στο Dia Beacon.
[ 9 ]
Cy Twombly στην Γκαλερί Gagosian | Νέα Υόρκη
Η γκαλερί Gagosian στο Μανχάταν φιλοξενεί μια σημαντική έκθεση που αποκαλύπτει μια νέα διάσταση του αείμνηστου Cy Twombly. Σε συνεργασία με το Ίδρυμα Cy Twombly, η έκθεση παρουσιάζει έργα που δημιουργήθηκαν από το 1968 έως το 1990, συμπεριλαμβανομένων και ορισμένων που δεν έχουν ποτέ εκτεθεί στο κοινό.
Οι εμβληματικοί «μαυροπίνακες» από τα πρώτα χρόνια της περιόδου αυτής εντυπωσιάζουν με τις έντονες, χειρονομιακές κινήσεις που συγχωνεύουν ζωγραφική, σχέδιο και γραφή. Εξερευνώντας τη φύση, τα έργα της δεκαετίας του 1980, που δημιουργήθηκαν στην Ιταλία, απεικονίζουν τη σύνθεση των στοιχείων της γης, του νερού και του αέρα μέσα από τις πολυεπίπεδες, αφηρημένες πινελιές του Twombly. Στην ίδια κατεύθυνση, το μεταγενέστερο έργο του από τη σειρά Souvenir of D’ Arros επικεντρώνεται σε αφηρημένες ανθογραφίες.
Παράλληλα, έργα σε χαρτί από τη σειρά Five Day Wait at Jiayuguan, εμπνευσμένα από ταξίδια στην Κεντρική Ασία, εκτίθενται για πρώτη φορά μετά από τέσσερις δεκαετίες, επαναφέροντας τη μαγεία της βενετσιάνικης Μπιενάλε του 1980.
Ο Cy Twombly γεννήθηκε το 1928 στο Λέξινγκτον της Βιρτζίνια, και πέθανε το 2011 στη Ρώμη. Τα έργα του βρίσκονται σε σημαντικές συλλογές, το ΜΟΜΑ, το Κέντρο Πομπιντού στο Παρίσι αλλά και στην Tate του Λονδίνου.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 30 Ιανουαρίου έως τις 22 Μαρτίου 2025.
[ 10 ]
Michaelina Wautier: Painter στο Μουσείο Ιστορίας της Τέχνης | Βιέννη
Μια ιστορική έκθεση αφιερωμένη στη Μικαελίνα Βότιερ (Michaelina Wautier 1604–1689), πρωτοποριακή καλλιτέχνιδα του μπαρόκ, της οποίας το ταλέντο παρέμενε υποτιμημένο για αιώνες. Η αναδρομική αυτή έκθεση θα αναδείξει τη σημαντική της συμβολή στη ζωγραφική του 17ου αιώνα, εστιάζοντας στην εξαιρετική δεξιοτεχνία της στην προσωπογραφία, τη θρησκευτική και ιστορική ζωγραφική, αλλά και στις νεκρές φύσεις – ένα σπάνιο συνδυασμό για μια γυναίκα της εποχής της.
Ανάμεσα στα κεντρικά έργα περιλαμβάνεται ο μνημειώδης Θρίαμβος του Βάκχου, μια τολμηρή και δυναμική σύνθεση που καθιέρωσε τη Βότιερ ως μία ζωγράφο εξαιρετικής ικανότητας και οράματος. Η έκθεση θα εξερευνήσει, επίσης, την καινοτόμο απεικόνιση των γυναικών στα έργα της, καθώς και την ικανότητά της να σπάει τις συμβάσεις της εποχής της, δημιουργώντας έργα διαχρονικής δύναμης και σημασίας.
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 30 Σεπτεμβρίου έως τις 25 Ιανουαρίου 2026.
[ 11 ]
“Gabriele Münter: Into Deep Waters” στο Μουσείο Guggenheim | Νέα Υόρκη
Το Μουσείο Solomon R. Guggenheim προγραμματίζει την πρώτη μονογραφική έκθεση του έργου της Γερμανίδας καλλιτέχνιδας Gabriele Münter (γεν. 1877, Βερολίνο· απεβ. 1962, Murnau am Staffelsee, Γερμανία), σχεδόν τριάντα χρόνια μετά την τελευταία περιοδεία της Münter στις ΗΠΑ.
Η έκθεση Gabriele Münter: Into Deep Waters θα επικεντρωθεί στα έργα της από το 1908 έως το 1920, ενώ θα αναδείξει και τις μεταγενέστερες εξελίξεις της δουλειάς της. Η έκθεση θα περιλαμβάνει περίπου 60 πίνακες και περισσότερες από δέκα πρώιμες φωτογραφίες της, οι οποίες θα εκτεθούν σε τρεις γκαλερί με πρόθεση όχι μόνο να φωτίσουν την ανατρεπτική και υποεκτιμημένη πρακτική της Münter που συνείσφερε στον μοντερνισμό, αλλά και να αμφισβητήσουν τις επικρατούσες ιστορικές αφηγήσεις που έχουν παραμερίσει τις γυναίκες καλλιτέχνιδες.
Η Münter υπήρξε μια καθοριστική προσωπικότητα στην ανάπτυξη του μοντερνισμού στην Ευρώπη στις αρχές του 20ού αιώνα. Σε μια εποχή που οι γερμανικές δημόσιες σχολές τέχνης απέκλειαν τις γυναίκες, η Münter ακολούθησε το δικό της μονοπάτι, καταφέρνοντας τελικά να τοποθετηθεί στην πρώτη γραμμή των πειραματικών δραστηριοτήτων του Μονάχου και του Murnau am Staffelsee. Συνδέθηκε στενά με τη δημιουργία της Der Blaue Reiter (Η Μπλε Καβαλαρία), της διακρατικής ομάδας πρωτοπόρων καλλιτεχνών, συγγραφέων και μουσικών που εξερεύνησαν εκφραστικά τις δυνατότητες του χρώματος και τη συμβολική, και συχνά πνευματική, αντήχηση των μορφών.
Κατά τη διάρκεια του Α’ Παγκοσμίου Πολέμου, ζούσε στη Σκανδιναβία, κάτι που ενίσχυσε τις ανταλλαγές της με τους σκανδιναβικούς μοντερνισμούς και οδήγησε σε αλλαγές στην καλλιτεχνική της πρακτική. Με τις τολμηρές επιλογές των ζωντανών χρωμάτων, η Münter επανεφηύρε τα παραδοσιακά είδη ζωγραφικής, όπως η φύση νεκρών, το τοπίο και τα πορτρέτα, προσφέροντας μια εναλλακτική πρόταση στις σύγχρονες καινοτομίες της αφαίρεσης.
«Όταν αρχίζω να ζωγραφίζω, είναι σαν να πηδάω ξαφνικά σε βαθιά νερά, και ποτέ δεν ξέρω εκ των προτέρων αν θα μπορέσω να κολυμπήσω».
Η έκθεση θα διαρκέσει από τις 7 Νοεμβρίου 2025 έως τις 26 Απριλίου 2026.
